Ist eine Compilation klassischer Musik eine gute Sache? Ja, wenn sie Mondän heißt! Compilation nennt sich das zur Präsentation klassischer Musik so ungeeignete Werkzeug der Pop-Industrie. Denn eine Collage dreiminütiger Hits steht eigentlich im direkten Kontrast zur Klassik, die ihre Spannungskraft größtenteils in der thematischen, dynamischen und/oder strukturellen Entwicklung findet. Mondän und nun auch die Fortsetzung Mondän 2 hebt sich deutlich vom Mittelmaß des Genres ab. Mondän 2 ist eine Compilation klassischer Musik und gleichzeitig ein Crossover-Album. DJs spielen hier mit Ausschnitten aus Klassik, Filmscores, Jazz und Clubmusic. Das Konzept ist innovativ und die Liebe zur guten Musik außerhalb des Schubladendenkens hörbar. Sinnlich, stimmungsvoll und relaxed - die richtige Hintergrundkulisse für entspannte Stunden. Dazu tragen neben dem gut ausgewählten Programm mit ziemlich kurzen, aber intensiven Ausschnitten die abwechslungsreiche Reihenfolge und die sanften Übergänge von einem Stück zum nächsten bei. Nur bei den klassischen Stücken fragt man sich manchmal, warum gerade die eine oder andere alte und altmodische Interpretation verwendet wurde. Standen Künstlerrechte im Wege einer interpretatorisch moderneren Auswahl? Wie dem auch sei, zweifellos ist Mondän 2 kein Produkt für den eingefleischten Klassik-Fan. [+]

DER HIMMEL HÄNGT VOLLER GEIGEN

Allzu oft scheinen Opern-Crossover-CD's anhand von Marktuntersuchungen ausgedacht zu werden, wobei sich der Star zwischen seinen Engagements schnell mal ins Aufnahmestudio begibt, mit einem Minimum an Überlegung und Sorgfalt. José Curas erste Crossover-Scheibe, Anhelo, ist da die große Ausnahme. Der Tenor singt nicht nur; er hat darüber hinaus auch einige Nummern selbst orchestriert und dirigiert, was das Ausmaß der Überlegungen und Gefühle erahnen lässt, die er hier investiert hat. Die Betonung liegt auf Balladen - absolut angebracht bei einem Album, dessen Titel "intensives, erdrückendes Verlangen" bedeutet - wenn es auch folkmäßige Lieder und Instrumentaltracks gibt, von denen eins von Cura in einem neo-puccinihaften Stil selbst geschrieben wurde. Einige der Stücke sind mit Orchestrierungen versehen, doch die Instrumentierung ist in den meisten Fällen knapp gehalten - oft nur akustische Gitarre oder Klavier und, in einem Fall, sogar nur Solostimme. Curas Stimme ist vielleicht nicht die flexibelste, aber er passt sie hier vorzüglich an. Ganz klar - diese CD entstand nicht aus reiner Karrierestrategie, sondern aus dem ehrlichen Wunsch, zu kommunizieren. Und das tut sie ganz gewiss. -David Patrick Stearns ARGENTINIAN SONGS-ANHELO.

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Allzu oft scheinen Opern-Crossover-CD's anhand von Marktuntersuchungen ausgedacht zu werden, wobei sich der Star zwischen seinen Engagements schnell mal ins Aufnahmestudio begibt, mit einem Minimum an Überlegung und Sorgfalt. José Curas erste Crossover-Scheibe, Anhelo, ist da die große Ausnahme. Der Tenor singt nicht nur; er hat darüber hinaus auch einige Nummern selbst orchestriert und dirigiert, was das Ausmaß der Überlegungen und Gefühle erahnen lässt, die er hier investiert hat. Die Betonung liegt auf Balladen - absolut angebracht bei einem Album, dessen Titel "intensives, erdrückendes Verlangen" bedeutet - wenn es auch folkmäßige Lieder und Instrumentaltracks gibt, von denen eins von Cura in einem neo-puccinihaften Stil selbst geschrieben wurde. Einige der Stücke sind mit Orchestrierungen versehen, doch die Instrumentierung ist in den meisten Fällen knapp gehalten - oft nur akustische Gitarre oder Klavier und, in einem Fall, sogar nur Solostimme. Curas Stimme ist vielleicht nicht die flexibelste, aber er passt sie hier vorzüglich an. Ganz klar - diese CD entstand nicht aus reiner Karrierestrategie, sondern aus dem ehrlichen Wunsch, zu kommunizieren. Und das tut sie ganz gewiss. -David Patrick Stearns ARGENTINIAN SONGS-ANHELO.

Sehr schön. Uri Caines Liebe zu Gustav Mahler bricht sich diesmal in raffinierten Bearbeitungen von Liedern des großen österreichischen Komponisten seine Bahn. Filigraner als bei Caines erster Auseinandersetzung mit Mahler (Urlicht) reihen sich hier kleine Kunstwerke aneinander, die in ihrer neugefundenen, beinahe zärtlichen Anmutung eng zusammengehören. Caine bleibt konsequent, bleibt bei sensibler kammermusikalischer Besetzung, mit oder ohne Gesang, durchlässig und intim gestalten sich die Lieder, denen Caine zum Teil eigene, an Mahlers Biografie oder weiterführende, an die Gedichte selbst angelehnte Texte hinzufügte. Brav ist es derweil nicht, was Uri Caine mit dem Material anfängt. Fantastische Mischformen aus Klassik und Jazz ziehen sich durch "Kindertontenlieder", "Rückertlieder", dem "Lied von der Erde", "Des Knaben Wunderhorn" und "Lieder eines fahrenden Gesellen". Von Punk bis Avantgarde, Modern Jazz und Folklore, Salonmusik und Gospel reichen die Einflüsse; verfremdete Mahler-Ästhetik, ein dramatischer Opernsänger, gesprochene Textpassagen, sogar Marschmusik und fernöstliche Momente passen in Caines unorthodoxes Konzept. Caine traut sich in seiner Verspieltheit ein ums andere mal die Grenzen zum stilistischen Wahnsinn zu berühren, sorglos naiv, und dann doch beinahe unantastbar ob der intelligenten Arrangements und der hinreißenden Interpretationen. Dark Flame ist ganz besonders subtil geworden, mit Fixpunkten wie Don Byron an der Klarinette, Mark Feldman, Geige, und Uri Caine selbst am Klavier. -Katharina Lohmann.

RHAPSODY IN BLUE/PORGY & BESS Der Pianist und Dirigent André Previn, einer der wenigen Künstler, die sowohl im Klassik- als auch im Jazzlager anerkannt sind, erzählt im Booklet einer seiner CDs von der "verhassten Erfindung des Crossover", eine Idee der Marektingabteilung von Plattenfirmen, und von einem anerkannten klassischen Pianisten, der in einem Interview sagte, er habe noch nie Jazz gespielt, aber im nächsten Jahr wolle er es machen. Previn, dessen Klavierspiel beispielsweise auf den beiden Song-CDs mit Sylvia McNair wirklich "groovt", weiß, wovon er spricht. Fazil Say, der sich mit seiner neuen Gershwin-CD wahrlich weit vom Boden seiner künstlerischen Heimat entfernt hat, weiß es wohl nicht, wenn er im Booklet-Interview selbstbewusst über sich und die anderen Solisten verkündet: "Wir sind ja alle klassische Musiker. Bei dem Talent der Musiker war es aber nicht schwierig, die Schwelle zum Jazz zu überschreiten. " Hätte er das nicht gesagt, könnte man seine CD vielleicht mit etwas Wohlwollen als passable Tanzmusik akzeptieren. Aber Jazz ist es keinesfalls. In den vier selbstgemachten Song-Arrangments, die die CD eröffnen, bedient sich Fazil Say weitgehend eines Swing- oder Stride-Piano-Stils der Zwanziger Jahre, weil das am unverfänglichsten ist, denn damals konnten die Jazzer auch noch nicht so swingen wie später. Dennoch genügen nur wenige Takte einer historischen Aufnahme von Earl Hines oder Benny Carter, um den Unterschied hörbar zu machen. Die balladenartige Klavierintroduktion zu "Summertime I" ist eben doch keine Ballade, sondern ein mit eigenartigen Harmonien und klassischen Elementen, die jedem Jazzer Schauer über den Rücken jagen, versetztes Fantasieprodukt, und das beeindruckend virtuose rhythmische Pattern im Klavier, das bei "Summertime II" eine Art Samba-Rhythmus bewirken soll, ist auf Dauer eintönig, weil Timing und Phrasierung nicht stimmen. Selbst der beim Improvisieren an Einfallsarmut leidende Friedrich Gulda hatte ein besseres Händchen für das richtige Jazz-Feeling. [+]