Welch ein wohltuender Kontrast zu den meisten Weihnachtsalben populärer Sänger: Nicht ein Konglomerat poppiger Arrangements von mehr oder weniger gut adaptierten Christmas-Songs aus aller Welt bekommt der Hörer hier an den Kopf geworfen. Vielmehr darf er ein gut ausgewähltes Programm genießen, in dem die Sopranistin Sumi Jo zwar eine Hauptrolle spielt, sich aber auch hohen musikalischen Anforderungen stellt: Mozarts Motette "Exsultate, jubilate" gelingt ihr ebenso geschmackvoll und stimmlich überzeugend wie zwei Weihnachtskantaten von Alessandro Scarlatti und Christoph Bernhard, einem Schüler von Heinrich Schütz. Begleitet wird Sumi Jo von der hervorragenden Cappella Coloniensis des WDR auf historischen Instrumenten, und für die Aufnahme von Adolphe Adams Weihnachtslied O Holy Night findet sogar ein Hammerflügel Verwendung. Das Programm wird ergänzt durch Chorsätze wie Johann Sebastian Bachs "Ich steh' an deiner Krippen hier" oder Michael Praetorius "Es ist ein Ros' entsprungen", vorbildlich interpretiert vom VokalEnsemble Köln, sowie durch Instrumentalstücke. Eine Überraschung ist außerdem Franz Xaver Grubers Originalversion von "Stille Nacht, heilige Nacht", gesungen von Sumi Jo im Duett mit Barbara Ochs. Für dieses Album haben sich offensichtlich alle Beteiligten ernsthaft Gedanken um eine niveauvolle Konzeption und Ausführung gemacht - und wie man sieht, ist dies möglich, ohne dabei auf die verkaufsfördernde Präsentation eines Stars verzichten zu müssen: Ein Beispiel, das hoffentlich ebenso kompetente Nachahmer findet. -Michael Wersin.

WORLDS COLLIDE

Born ist zwar das Debüt-Album von vier im Musik-Konservatorium geschulten jungen Frauen, hat aber wenig mit klassischer Musik zu tun. Es ist schlicht und einfach ein Verkaufstrick. Da wird ein Streichquartett von appetitlichen jungen Mädchen mit Tanzrhythmen und einer groß angelegten Produktion vermischt und ihre Violinen, Viola und Cello mit aufgemotzter Elektronik verknüpft. Man investiere dann noch ein riesiges Marketing-Budget - und schon geht's ab an die Spitze der (britischen) Charts. Ohne sich selbst so furchtbar ernst zu nehmen - sie spielten das James-Bond-Thema bei ihrem ersten Auftritt in der Royal Albert Hall - sieht "Victory" nach sicherem Sieg aus. Ihre erste Single hüpft mit einem Schuss von Rossinis Barbier von Sevilla und einem ausgeprägten Sinn für Pop-Melodrama, im Geiste eng verwandt mit dem, was der Gitarrist John Williams mit seiner allerdings weniger photogenen Band Sky in den späten siebziger Jahren ablieferte. Was einen ganz sicher überrascht ist, dass Tracks wie der sehr bewegte World-Dance "Quixote" vom Filmmusik-Komponisten Magnus Fiennes stammen, dem Bruder der berühmteren Brüder Ralph und Joseph. "Winter" bringt Synthesizer im Stil von Jean-Michel Jarre mit ein, beschwört den Geist von Vivaldi, und schon geht der Beat erbarmungslos weiter und weiter und weiter. Sex sells, sagt man, mit Sex kann man alles verkaufen, und Bonds Erfolg scheint gesichert: Dies ist ein Werk nach allen Regeln der Kunst unserer Zeit, aber bei Mike Batt, der mit den Wombles seinen Ruhm erlangte und hier einen Remix von "Victory" abliefert, erwarten Sie nur ja keine echte Kunst. -Gary S Dalkin.

Das Swingende des Jazz, der Zauber der einheimischen Folklore und Auflösung der Grenzen zwischen den Musikstilen; das sind die hervorstechendsten Gemeinsamkeiten des argentinischen Komponisten Astor Piazzolla und des als Pianist bekannten Friedrich Gulda. Unter der Leitung von Paul Gulda, dem Sohn Friedrich Guldas, und einer aus Argentinien stammenden Musikerin wurde mit hochkarätigen Musikern eher selten zu hörende Werke mit viel Liebe zum Detail eingespielt. Das Konzert für Violoncello und Blasorchester - Friedrich Guldas berühmteste Komposition - erfordert von den Künstlern viel Witz und Finesse, von dem Wechsel einer fetzigen Bigband-Melodie und einem brav-klassischen Tanzstückchen in der Ouvertüre bis hin zu einem an Jahrmarktmusik erinnernden Finale kostet das Ensemble alle von Friedrich Gulda vorgegebenen Stile aus und stürzt den Hörer somit in ein Wechselbad der musikalischen Stile. Ebenso wie Friedrich Gulda sein Publikum mit musikalischen Grenzgängen schockierte, so war der Argentinier Astor Piazzolla in seinem Heimatland umstritten. Aufgewachsen mit der Tangomusik, die ihren Ursprung in Kneipen und Bordellen hat, schämte er sich zunächst seiner musikalischen Wurzeln, wurde aber von seiner Lehrerin Nadia Boulanger darauf gebracht, dass der Tango sein Potenzial sei. Die Musik Piazzollas ist kein tanzbarer Tango. Es ist kunstvoll arrangierte Musik, die ihren Reiz aus ständig erklingenden Tangoelementen bezieht. Mit einer großen dynamischen Pallette und rhythmischem Feingefühl erklingen Piazzollas "Vier Tango-Jahreszeiten", deren Titel dezent an Antonio Vivaldis berühmte Konzerte Die vier Jahreszeiten angelehnt ist. Lange Zeit wurde Piazzolla von den klassischen Musikern gemieden, doch zu Unrecht wie Paul Gulda zeigt, Piazzolla bedeutet spannend-traurige Musik, die dennoch voller Energie und Lebenslust ist. -Erika Habenicht.

Zum ersten Mal in ihrer Karriere verlassen sich Apocalyptica nicht allein auf die Durchschlagskraft ihrer Celli, sondern greifen darüber hinaus auch auf Drums zurück. Ein Experiment, das interessante neue Fassetten im Bandsound offenbart, aber mit Sicherheit auch auf harsche Kritik stoßen wird. Slayer-Dampframme Dave Lombardo und Ex-Kingston-Wall-Break-König Sami Kuoppamäki unterlegen fast den kompletten Longplayer mit mal rasant knatternden (Lombardo), mal vertrackt groovenden (Kuoppamäki) Schlagzeugspuren. Dadurch haben die zum Trio geschrumpften Finnen die Möglichkeit, ihre Rhythmusarbeit herunterzuschrauben und sich mehr auf flächigere Sounds und melodischere Leads zu konzentrieren. Bei einigen der ausschließlich aus eigener Feder stammenden und gänzlich ohne Gesang auskommenden Songs funktioniert die Cello/Schlagzeug-Fusion auch sehr gut, bei anderen verlieren die Streichinstrumente allerdings deutlich an Dynamik beziehungsweise verkommen zu relativ unspektakulären Rhythmusgitarren, denen fast alle typischen Streicher-Charakteristika fehlen. Gänsehaut-Stimmung ist immer dann vorprogrammiert, wenn die Drums pausieren oder aufs Wesentliche reduziert werden, ansonsten kleistern insbesondere Lombardos Doublebass-Teppiche die kompositorisch hervorragende und stilistisch enorm vielseitige CD leider völlig zu. Schade, hier wäre mehr drin gewesen! -Michael Rensen.

Da sprudelt und wuselt der Magier am Flügel, mit perlendem Anschlag, wacher Miene und hellem, gut gelauntem Klang. Das legendäre Trio von Pianist Keith Jarrett mit Gary Peacock am Bass und Jack DeJohnette am Schlagzeug hat Grund zum Feiern: 2003 ist das Jahr ihres 20. Jubiläums. Zwar wurde das dazugehörige Fest-Album Up For It schon beim vorherigen Antibes Jazz Festival aufgezeichnet, aber das macht ja nichts: Hauptsache es erscheint jetzt, pünktlich, und es folgt einer passenden Idee: nachdem die letzten beiden Trioalben Inside Out und Always Let Me Go fantastische, vollständig freie Improvisation verströmten, schließt Jarrett nun einen symbolischen Kreis um die sagenhafte Arbeit mit seinen Lieblingskollegen. Up For It swingt brav und konsequent, ein klassisches Jarrett-Klaviertrio, mit Klassikern zur Vorlage, "My Funny Valentine", "Someday My Prince Will Come", "Autumn Leaves", Jazz-Standards, die Jarrett oft gespielt hat und die eindeutigen Hit-Charakter haben. Neu derweil ist eine Charlie-Parker-Nummer ("Scrapple From The Apple") sowie eine Komposition des Modern Jazz Quartets; das Titelstück "Up For It" schrieb Jarrett selbst. Keith Jarrett, der in diesem Jahr mit dem großen Polar Music Preis der Royal Swedish Music Academy ausgezeichnet wird, gehört unstrittig zum Eindrucksvollsten, was der Jazz zu bieten hat. So war es gestern, so wird es morgen sein. -Katharina Lohmann.

SOPRANO ARIAS

Der zeitgenössische litauische Komponist Peteris Vasks hat gesagt: "Es hat so viel Blutvergießen und Zerstörung gegeben, und dennoch hat die Macht der Liebe und des Idealismus dazu beigetragen, die Welt im Gleichgewicht zu halten. Ich wollte in meinem neuen Quartett von diesen Dingen sprechen - aber nicht nur so nebenher, sondern mit direkter Emotion und Sensibilität". Tatsächlich werden wir in diesem, seinem vierten Quartett mit auf eine Reise durch eine unendliche Vielfalt von Gefühlen genommen: von volksliedhaften Melodien hin zum Chaos und wieder zurück. Seine Musik ist immer intensiv, und er versteht es, einen Höhepunkt zu schaffen, für Entspannung zu sorgen, den Zuhörer zu einem vertieften Verständnis und Erlebnis von Dramatik zu führen und dies zu wiederholen. Seine meditativen Augenblicke erinnern an Arvo Pärt; bei seinen unsteten Passagen denkt man an Schostakowitsch. Die Strukturen, die von dem großartigen Kronos-Quartett wunderschön präsentiert werden, sind jedoch einzig und allein das Werk von Vasks. Wenn dann zum Abschluss nach einer Rückkehr zu der Volkslied-Melodie des ersten Satzes die Streicher zu den höchsten Tönen empor fliegen und sich in ätherischen Höhen auflösen, dann hat dies eine magische und irgendwie auch erlösende Wirkung. Es gleicht der Art und Weise, wie er sein Violinkonzert beendet, und es ist ebenso wirkungsvoll. Ein faszinierendes Werk. -Robert Levine.