Da werden Sie Ohren machen, denn Vergleichbares hat es bislang noch nicht gegeben! Für die musikalische Untermalung seiner modernen Adaption von William Shakespeares bittersüßer Komödie Verlorene Liebesmüh' hatte Regisseur/Schauspieler Kenneth Branagh nämlich eine originelle Idee. Die von ihm im England der 30er/40er Jahre angesiedelte Story über vier junge Männer, die schwören, während ihres Studiums allen irdischen Freuden (inklusive der Frauen) zu entsagen, sollte von einem orchestralen Score begleitet werden, in den populäre (angejazzte) Songs aus berühmten Musicals eingebunden sind. Ein unmögliches Unterfangen? Komponist Patrick Doyle, mit dem Branagh schon bei Henry V. und Hamlet zusammengearbeitet hat, löste die schwierige Aufgabe jedoch brillant. Von George Gershwin, Irving Berlin beziehungsweise Cole Porter geschriebene Klassiker wie "I Get A Kick Out Of You", "I've Got A Crush On You", "Cheek To Cheek" oder "There's No Business Like Showbusiness", die von den Schauspielern durchwegs sehr gut gesungen sind, fügen sich nahtlos ein in die großartige, oftmals romantische Filmmusik. So entstand ein wunderschöner Score voller Charme für ein geistreich heiter-spritziges Musical, das in seiner facettenreichen Form eine bezaubernde Hommage an Hollywoods goldenes Zeitalter der Charleston-Ära ist. -Thomas Hammerl Amazon. de Shakespeare in Hollywood, das ist nichts Neues, seit Cole Porter Der Widerspenstigen Zähmung 1953 zu Kiss Me, Kate umarbeitete. Der Kniff bei Kenneth Branaghs Verlorene Liebesmüh' jedoch besteht darin, das Stück wie ein klassisches Hollywood-Musical wirken zu lassen, komplett mit groß angelegten, grandiosen Bühnennummern. Ein neuer Ansatz bei der Wiederbelebung dieser am meisten vernachlässigten Komödie des Dichters, aber auch einer, der den Komponisten Patrick Doyle vor einige schwierige Herausforderungen stellte. [+]

SOMEWHERE BEFORE

Da stemmt sich alles nach geballter Urgewalt: treibend, siedend und siegend, unisono, ein stürmendes Brachialgewitter aus Bauch und Seele - die brasilianische Antwort auf Les Tambours Du Bronx. Volle Kanone, das muss man ihm lassen: Uri Caine weiß, wie man's krachen lässt. Mit infernalischem Trommelfeuer eröffnet er sein Brasiliendebüt. Dazu trällert der Pianist ein unbescholtenes Sambathema - Hauptsache es passt nicht zusammen! Dabei will der New Yorker hier endlich einmal sentimental sein: "Wenn ich mir das Album anhöre, dann ergeht es mir so, als ob ich Erinnerungsfotos dieser bewegenden Reise sehe", sinniert er. Und um die Stimmung festzuhalten, lässt er zwischen den Stücken Straßenbahnen und Café-Ambiente vorbeiziehen. Jedoch auch ohne diese Zutat merkt der Hörer schnell, wie aufrichtig Caine es meint: Noch nie hat eine Aufnahme des gefeierten Crossover-Experten so gefühlig geschmeckt, so liebevoll, so harmoniebestrebt. Von klassischem Laid-Back Bossa bis zu landesüblichem Schellenrasseln verwässert nichts - und Caine? Unverhofft Petrucciani-like gibt sich der frisch gebackene Romantiker ein um das andere Mal - mit seliger, quicklebendiger Melodik in lichtgetränkter Atmosphäre. Caine ließ sich treiben in Rio, zweifellos. Impressionen hielt er fest, nahm Straßenchöre auf, engagierte einen brasilianischen Rapper, der mit warmem, maskulinen Charme einen zarten Kontrapunkt zur New Yorker Hip-Hop-Coolness setzt. Daneben tönt elektrischer Latin Groove mit akustischer Percussion, ein Hauch von Funk, ein Hauch von Avantgarde, eine säuselnde Alibi-Ballade, flockig, sinnlich und immer mit eigener Note - wenn es das nicht ist, was Caine auszeichnet, dann weiß ich es nicht. [+]

Dass eine Plattenfirma der anderen dankt, ist selten: "Danke, blue note, dass Norah Jones auf Free Country singen durfte", prangt in fetten Lettern auf dem Hochglanzpressetext zu Joel Harrisons Album. Zugegeben - die mit acht Grammys gekürte Sängerin und Pianistin Norah Jones macht auf Free Country wieder einen guten Job -, zumal ihr die elegante Mixtur aus Country, Singer/Songwriter und Jazz, gelegentlich garniert mit dezenten Samples, gut liegt (allerdings gefällt mir persönlich Holly-Coles-Version vom "Tennesse Waltz" noch besser, aber das nur am Rande). Aber es geht hier in erster Linie um den Gitarristen Joel Harrison. Und der zeigt hier sowohl sein spielerisches Können als auch seine ausgezeichneten Ideen als Arrangeur. Harrisons Bearbeitungen traditioneller amerikanischer Songs von Woody Guthrie (große Klasse: "This Land Is Your Land") bis Johnny Cash (rockig: "Folsom Prison Blues") sind originell und abwechslungsreich und lassen trotzdem eine eindeutige Handschrift erkennen. Im Zusammenspiel mit David Binney am Saxofon, Uri Caine, Piano, Tin Hat Trio-Mitglied Rob Burger am Akkordeon, Geiger Rob Thomas (String Trio of New York), Sean Conly, Bass und der sehr energetischen Schlagzeugerin (!) Alison Miller, schafft Harrison eine dichte Stimmung: Die Weite und Melancholie amerikanischer Country-Songs, raue R&B-Gitarren, rauchiger Blues und Boogie-Woogie-Piano-Anleihen geben sich ein sehr überzeugendes Stelldichein! -Anja Buchmann.

Ein Autounfall nötigt die sechs unverletzten Insassen zur Kommunikation über ihre gegenwärtige Lage und über den ursprünglichen Anlass ihrer Fahrt. Schnell zeigt sich, dass ihre Sichtweisen der Situation stark differieren: Mama glaubt, man sei auf der Fahrt zur Hochzeit ihres Sohnes gewesen, der sich "Harry oder Larry" nennt und dem eigentlich alles egal ist. Die Braut Rose ist offenbar Sängerin und glaubt, von einer erfolgreichen Aufführung zu kommen, mit der sie noch immer ausschließlich beschäftigt ist. Mamas Exmann Zen hält sich für den spirituellen Lehrer aller und äußert sich in Form von abgehobenen Philosophemen oder Sinnfragen. Zens Freundin Stella ist Astronomin und glaubte sich auf dem Weg zum Observatorium. Ein ebenfalls anwesendes Kind schließlich scheint zu niemandem zu gehören. Dieses ausgesprochen anregende Libretto von Paul Griffiths - es ist eine faszinierende Parabel über das individuelle In-die-Welt-geworfen-sein mit seiner zwangsläufigen Folge der partiellen Vereinsamung - inspirierte Elliott Carter zu einer Oper für sechs Gesangssolisten und mittelstarkes Orchester in 38 Szenen, die in musikalischer Hinsicht allerdings fließend ineinander übergehen. Carter fand für dieses groteske Geschehen aussagekräftige vokale Linien, die von der instrumentalen Ebene getragen und belebt, aber niemals beherrscht oder überdeckt werden. What Next? ist somit ein Konversationsstück, bei dem die möglichst ausdrucksstarke Vermittlung des Textinhaltes im Zentrum steht. Von einer anderen Seite zeigt Carter sich im ebenfalls enthaltenen Asko Concerto, einem in sechs Abschnitten durchkomponierten Stück für 16 Instrumentalisten: Hier sind es die Instrumente selbst, die auf verschiedenartigste Weise lebhaft miteinander kommunizieren; tatsächlich scheint im weitesten Sinne die Gattung des barocken Concerto mit seiner stark rhetorischen Grundhaltung als Vorbild gedient zu haben. [+]